《蓝白红》相信是很多影迷从商业片、院线片进阶到艺术电影和作者电影的入门级别作品，虽然这部作品有着众多的观看基础，但人们也常常因为这种易入门性，而忽略掉它本身的超高质量，或许在艺术电影的道路上前进了许久之后，回过头看，最好的那部也许你一开始就看过了。
做了个视频完整解读了一下这部电影，没看过的推荐看过电影之后重看，看过的相信你看完视频，也会对这套电影有一个不一样的认知。
《蓝白红》是来自已故波兰电影大师，克日什托夫·基耶斯洛夫斯基在导演生涯末期的一个三部曲系列
由《蓝白红之蓝》、《白》还有《红》三部组成，按照顺序分别在1993年9月的威尼斯电影节，1994年2月的柏林电影节，和1994年5月的戛纳电影节入围主竞赛，世界首映。并拿下了最佳影片金狮奖、最佳导演银熊奖两项大奖。
就影史地位来讲的话，《蓝白红》被誉为影史最佳三部曲之一，完全不为过。
这个系列在豆瓣上总计有将近30万人次标记，差不多也是标记人数最多的艺术电影系列之一了，是绝佳的，艺术电影入门电影。
一，讲的是什么？
因为可能确实很多人没看过，或者和我一样很早之前看过，需要再进行一下复习，第一部分我们还是先简单的说一下故事情节。当然了，我还是更推荐大家自己完整的观看这三部电影，直接跳转到第二部分观看余下内容。
（剧情讲解部分涉及剧透，想看的朋友请点击上方视频观看）
二、表达的是什么
对于《蓝白红》这三部电影来讲，最直观的感受应该就是它的片名，确实，这三种颜色是和电影共生的，在电影里的每一帧中，基氏都在贯彻这三种颜色的主题。
那么，这三种颜色分别代表的是什么呢？
如果以最直观的感受来讲的话，这三种颜色给人带来的分别是，忧郁、平静、和热烈。
巧就巧在这儿，同样也是在1993年，另外一位电影大师德里克·贾曼在他罹患艾滋病双目失明的晚年，完成了他的遗作：《蓝》。
这是一部没有画面也没有情节的电影，通篇全是满屏幕的蓝色，辅以贾曼安详的宁静自白，这时的蓝色给观众带来的是一抹生命即将走向终结的伤感、忧郁和平静。
但基氏的《蓝白红》，至少从最源头说起，和我们日常认知中的颜色代表的情绪不尽相同。
对于这三种颜色的选择，基氏曾戏谑的说过，因为法国是主要出资方，所以选择了法国国旗的蓝白红三色，如果是德国出资的话，或许就会变成黑红黄了。
法国国旗的蓝白红分别象征着自由、平等和博爱，在众多的解读中，这样的说法也是最广为流传的。
要说这三个主题有吗？肯定有，《蓝》中，朱莉深陷失去亲人的悲痛，在尝试忘记一切未果之后，亡夫的情人的出现，让她变得释然，脸上更多的出现了笑容，也终于鼓起勇气决定完成丈夫未完的乐章，和丈夫的前同事在一起。对于她来说，灵魂从被悲痛禁锢到迎接新生活，无疑是获得了自由的。
《白》中，卡罗尔被妻子多明尼羞辱，夺走一切，在法国无容身之地，回到波兰后东山再起，他做的第一件事是用自己的方式“报复”了多明尼，让她锒铛入狱，在这段感情中，他们互相伤害，似乎也达成了某种平等。
《红》中，瓦伦丁美丽而善良，救助路边受伤的小狗，帮助扔不进瓶子的佝偻老太，面对退休法官“不道德”的窃听行为一开始也是义愤填膺，单纯的瓦伦丁无疑是博爱的。
这样看，蓝白红主题的法国国旗说并无错误，但在我看来，这或许是每一部单独的电影中，表面上的主题。深究内里，似乎没那么简单就能概括，我认为的三部影片真正想要表达的，是人与人之间的联系。
这里我们就要讲到一些背景了。
《蓝白红》拍摄于1992年9月-1993年5月，那时候的欧洲正处于整合阶段，92年2月，欧洲签订了《马斯特里赫特条约》
将曾经的欧洲经济共同体更名为欧洲共同体，该条例于1993的11月生效，届时欧洲三大共同体都将被一并收纳，我们所熟知的欧盟，也是在那时候成立的。
《蓝白红》的拍摄，就正好是在条例签订到生效的这段时间。
如果我们把每一个欧洲国家看作是不同的个体，欧盟的成立就是这些个体产生联系的过程。
我们再看三部电影的拍摄地点，《蓝》拍摄于巴黎，可能是欧洲种族融合和冲突最为盛行的城市；
《白》大段的场景发生在波兰华沙，是导演的家乡，经济落后所造成的破败和疏离感也最为强烈；
而《红》的则是发生在瑞士日内瓦，是包括联合国在内的众多国际组织设立之处，是最能够代表融合和联系的城市。
带着这个主题，我们再回归影片，《蓝》中，朱莉痛失至亲，想要切断身边所有人与之的联系，来到陌生的城市试图开始新生活，她面对一切周边的人对其的接近，都表现出了排斥的态度，包括自己的母亲。直到她发现自己曾经崇尚的爱情也不过一场骗局，她才慢慢找回自我，拥抱新生活，主动去建立与他人之间的联系，结尾一组缓慢剪辑的人像融合也象征着人与人之间无形的联系。
《白》中，主角卡罗尔在影片一开始就被彻底孤立开来，他举目无亲、身无分文、露宿街头，直到同为波兰人的米科拉奇帮助他重回故里，他们二人之间的关系也被一声关乎生死的枪响拉拢，也就是这时起，米科拉奇放弃了轻生的念头，而卡罗尔也仿佛获得重生，人生第一次取得了事业的成功，这时的他即便用的是一种极端的复仇方式，想的依然是与前妻重新建立“联系”。结局他成功了，这时他们虽然铁窗相隔，但两人之间的联系前所未有的强。
到了《红》，这种人与人之间的连接则更成为影片的主题，影片刚开始就是一组极富灵性的镜头，从电话线到海底电缆，虚无的电波连接被具象、影像化。退休法官也通过窃听这种极端的形式，在家中汇集了了人与人之间的联系，他的情史也与年轻法官奥古斯特跨越时空形成了惊人的巧合。到了影片最后那个富有神性的渡轮灾难，六名《蓝白红》主角一并获救，这种命运的连接感到达顶峰。
有趣的是，这场获救戏，是全部三部电影中，最先被拍摄的。
而这样的联系不仅仅只出现在了三部曲终结篇的最后一场戏中，那个佝偻身子艰难扔瓶子的老妇，在三部电影中都有出现，
《蓝》中朱莉从未发现也并未理会，那是因为那时她意图斩断一切联系；《白》中卡罗尔看到却不为所动，甚至挂着一丝或自嘲或轻蔑的微笑，那是因为他正身处低谷，无暇顾及；直到《红》中温柔且博爱的瓦伦丁，才终于上前出手相助。
这个老妇同样也出现在了基氏的前作《两生花》中，一个电影宇宙被巧妙串起。
另外还有那个神秘的法院，在《蓝》中，朱莉前去法院寻找丈夫的情人，误入一个庭审现场，在《白》中我们得到了答案，朱莉闯进的就是卡罗尔和多米尼的离婚庭审。
当然还有《红》中总是有意无意的将奥古斯特和瓦伦丁联系在一起
命运像是一只无形的手将他们一起推上了那艘即将沉没的渡轮，当然还有《蓝》和《白》中的主角。
总的来说，如果把欧盟成立的大背景视为宏观层面上国家与国家之间的联系，那么蓝白红这三部电影中的主角，代表着微观层面上的个体，也就是人。
基耶洛夫斯基着眼于现代社会个体生命的细微感受，忧伤或欢喜、屈辱或尊严，他们的命运、遭遇在这里相交、融合，就像他在更加传世的《十诫》中，将全部十部作品的主角都设定在同一座居民楼一样。
当然，以上都是我自己的理解，是一面之词，各位有自己的感受和理解再平常不过，也欢迎大家一起在评论区交流。
三、如何表达的
说完了三部曲想要触及的表达，我还想简单说一说基耶斯洛夫斯基是如何通过影像艺术，去完成这种表达的。
总结下来，我在这里提三种主要方式，
一是事物的局部特写的使用
这是在《蓝》的开头，车祸之后，朱莉的角色还未出现时的镜头，一根羽毛占据了画面的绝大部分位置，在随着朱莉的呼吸摇动，很好的展现出了朱莉的心理状态，是脆弱且摇摇欲坠的。
说到这儿可能会出现说我过度解读的弹幕了。没关系，那我们再看这一场
《蓝》的中间，朱莉坐在咖啡厅喝咖啡，她手举一块方糖，将一半浸润进咖啡之中，咖啡的黑棕色被吸收上来，直到全部变黑，才扔了进去。
这样一个显得有些恍然的日常动作被放大处理，目的就是为了展现朱莉封闭自我的心理状态
类似的手法是基氏一以贯之的导演风格，在《十诫》的第二诫中，女主角的丈夫身患重病生命垂危，他用一段长达数十秒的长镜头拍摄天花板上的水滴落到铁床架的镜头，就是在隐喻男子的生命正在一点一滴流逝。
与之类似的手法也出现在了《红》的咖啡杯中，一样的咖啡水位暗示着瓦伦丁和退休法官之间的平等关系
告别时隔着的车窗玻璃也预示着两人之间的关系即便有些许暧昧，但永远都是有一层隔阂。
《白》里面当然也有，大家可以按照这个思路，重看，再体会一下。
第二就是对于音乐的使用，这点是我觉得基耶斯洛夫斯基真正的厉害所在。
这里还是要做一个小科普，在电影中，使用的音乐通常有两种类型，分别是有源音乐，指的是音乐播放出来的源头是在电影画面中的，这时我们能听到的和主角能听到的是同步的，还有一种是无源音乐，顾名思义，这时的音乐是没有源头的，是加在画面之上的，主角同时也是听不到的
而基氏，做了一个横跨两者之间的颇具实验性的尝试。
在《蓝》中，朱莉亡夫未完成的乐章是影片中经常出现的音乐，按理说，这样的音乐是无源的，应该是加强情绪，出现在主角内心的。但我们看基氏的用法
随着乐章的出现，朱莉仿佛也想听到了一样注视着镜头，在打光上也突然出现了蓝色元素，再次强调了她的心理状态。
在她决定要丢弃乐章的时候，纸张在垃圾车中被碾碎，这时的乐章也随着乐谱随之变得扭曲。
当然，还有这个
在基氏的笔下，配乐成为了电影中必不可少的一部分，它不再是简单的有源、无源来做区分，而是犹如鬼魅一样在两者之间徘徊，对角色情绪的塑造起到了关键性的作用。
第三也就是最后一点，就是线索的构建
之前在诺兰的Pro中我讲过诺兰对于线索的构建，但说到底，诺兰还是一个偏类型片，为好莱坞大厂工作的导演，对于线索的构建还是依照观众的观影习惯，有着极强的因果对应，第一遍发现不了没关系，多看几遍总能发现。
但在基氏的电影中，线索的构建就要抽象许多，比如在《红》中，狗狗跑掉的那一幕，镜头在教堂门口停留许久，导演似乎是在提醒我们什么，如果我们倒回去看，会发现在上完舞蹈课之后，瓦伦丁那个喝水的镜头背景中就是这个教堂，同样也用了停留镜头来强调；
还有最明显的，瓦伦丁拍摄的那张巨幅广告画，最后选用了侧脸的照片，原因表情比较忧伤，这和她在影片结尾被营救出来之后那个慌乱的定格形成了巧妙的互文。
这也许确实不如诺兰的线索，一环套一环，有那么强的因果关系，基氏构建出的线索更像是一种写意的，带有强烈宿命感的巧合，它不对电影剧情有任何推动作用，它的作用更像是在观众看完电影之后的回味中，反复出现的“电影”时刻。
这也许就是属于真正电影的时刻吧，无论是微微晃动的羽毛、还是猛然出现的乐章，亦或是结尾定格的绝美侧脸，这些也许对观众的感官刺激远不如任何一部类型片，但却更可能，长时间的留存在观众的心里。
这就引出了我们这期Pro最后一个想要讨论的问题：
四、到底什么是艺术电影？
看到过很多人，把电影分作商业片和文艺片两个类型，简单粗暴的说商业片好看易懂，文艺片无聊晦涩。确实，如果从纯感官层面去分析，商业片或许指代在视听和情节上给予观众强其次的电影，文艺片嘛，剧情缓慢，人物矫情似乎成为了代名词。
但在我看来，这样的分类实不可取。
按照罗伯特·麦基在《故事》中提出的故事三角理论
商业片、类型片多属于大情节电影，有明确的故事线，强烈的外在冲突和因果关系，通常还会辅以观众喜爱的电影元素，如枪战、爆炸、浪漫、恐怖等等。
而平常所说的文艺片或许可归为小情节电影，它没有明确的故事线和主角一以贯之要达成的目标，它更加强调主角心理的内在冲突，行为也更多的是被情节推动。
当然，这只是大多数的情况，文艺片和商业片的对立本就是一个伪概念，现在看上去“文艺”的电影或许在当时的年代就是一部商业巨制，而一部包含了类型片元素的“爽片”很有可能也是小成本制作以小博大。
在我看来，作者电影或许才更应该是所谓的“文艺片”的正确称呼，这样的电影或许没有观众喜闻乐见的元素，如果以娱乐为唯一目的去观看的话，大多会得非所愿。
这就让我想到了另外一位欧洲电影大师塔可夫斯基
1975年，塔可夫斯基的经典之作《镜子》在前苏联上映，无数的影评人、评论家因为影片晦涩的表达挠头不已，在一次映后交流中，一堆人喋喋不休，没有个结果，此时着急关门的清洁女工憋不住了，说：这有什么可争的？这个电影很简单，就是一个身患绝症的人，临终前想要寻找救赎和宽恕的故事。
50年前的前苏联，即便是最底层的劳动人民，也能够轻易的理解所谓“晦涩”的作者电影的含义。
那现在的我们呢？
似乎越来越被快餐的影视文化惯坏了，我不想说这件事的错与对，这是时代发展的必然结果。
但电影作为一种艺术形式，几乎是最能贴近观众的了，它有画面有声音，能给人最直观的感官刺激，已经看到这儿的你，应该也会认可这种看似“晦涩”的作者电影存在的价值吧
而在我看来，《蓝白红》三部曲就是最完美的作者电影入门，它拥有广大的观看基础，较为明晰易懂的故事线索，深入浅出的作者表达。最关键的是，导演基耶斯洛夫斯基用影像表达情绪的手法放在影史上都堪称顶级，只要完整的、投入的看进去，就一定会在心里留下一个位置。
